des d'una perspectiva històrica i transversal estudiem, analitzem i relacionem els fenòmens de l’ art, el disseny,
l'arquitectura, l’artesania i la imatge amb els esdeveniments contemporanis de la cultura,
el context econòmic, social i polític dels últims 40 anys; això vol dir que "cavalquem sobre lo tigre..."

dijous, 29 de novembre de 2012

Antony Gormley (Sirrý)


"Things already exist.
Sculpture already exists. 
The job is to transform what exists in the outer world 
By uniting it with the world of 
sensation, imagination and faith. 
Action can be confused with life. 
Much of human life is hidden. 
Sculpture, in stillness, can transmit what may not be seen. 
My work is to make bodies into vessels
 that both contain and occupy space.
Space exists outside the door and inside the head. 
My work is to make a human space in space. 
Each work is a place between form and formlessness, 
a time between origin and becoming. 
A house is the form of vulnerability,
darkness is revealed by light. 
My work is to make a place, free from knowledge, 
free from history, free from nationality to be experience freely. 
In art there is no progress, only art. 
Art is always for the future"

Antony Gormley, 1995



Antony Gormley es un escultor inglés cuyo trabajo está basado principalmente en esculturas de figuras humanas. Nació en Londres en 1950 donde sigue viviendo y trabajando. Después de titularse en arqueología, antropología e historia del arte en el Colegio Trinity, de Cambridge, se trasladó a la India, donde se interesó en el budismo y estudió meditación vipassana. Vipassana es una de las técnicas más antiguas de la meditación, sanación y un método de auto-transformación se basa en la conexión entre la mente y el cuerpo. Tres años después regresó a Inglaterra y estudio escultura en la escuela Slade de bellas artes.
Los primeros estudios de Gormley y su conocimiento e interés en religiones, la filosofía y la literatura forman base de su trabajo en la actualidad
Desde su primera exposición en 1981, ha expuesto extensamente en Gran Bretaña y en el extranjero.
Su inspiración nace en la premisa de que el cuerpo humano es un lugar de memoria y de transformación y utiliza su propio cuerpo para dar vida a su obra.


Los temas que trata Gormley en sus obras

El cuerpo
El artista está interesado en la figura humana y gran parte de su obra explora el cuerpo humano no sólo como sujeto sino también como objeto y lugar. El cuerpo humano es un lugar de memoria y de transformación para el.
El hecho de que a menudo comienza con un molde de su propio cuerpo es importante.  El ve este punto de partida como un momento vivido – un cuerpo real en tiempo real.
El espacio
Sus esculturas son sobre el espacio y sus "instalaciones" establecen una interacción entre el espacio físico, el espacio creado por la escultura y la experiencia del espectador.
El espacio físico
Gormley está interesado en el espacio en el que sus esculturas se exhiben. Para el la cada lugar crea un nuevo contexto y nueva narrativa de la obra. Su trabajo explora e interactúa con la arquitectura y el paisaje,  y el  intenta establecer diferentes energías o diferentes tipos de vibración en cada espacio. 
El cuerpo como espacio
Gormley también está interesado en el espacio creado por la escultura. Él no ve una escultura tanto como un objeto, sino más bien como un contenedor que proporciona el espacio para otros asuntos.
Para Gormley un molde es un espacio vacío mágico. No sólo le interesa el exterior, sino también el espacio interno del cuerpo y la mente.
El espacio del espectador
Por último, es la imaginación del espectador que es el espacio final. Mediante la activación del espacio físico y la apertura del espacio del objeto, Gormley crea una situación para el espectador. Nuestras propias experiencias, recuerdos e ideas que aportan a la instalación proporcionar el contexto completo de la obra.

Estoy interesado en el cuerpo como un lugar, como un espacio de transformación, es decir, yo soy interesado en el cuerpo como un espacio posible donde algo que podríamos llamar sentido de identidad pueda surgir
 Antony Gormley

Gormley está interesado en cómo la escultura puede hacernos más conscientes del tiempo. Por ejemplo, por el simple hecho que  una escultura es quieta hace que el espectador sea más consciente de su propio movimiento (y la respiración). De forma similar Gormley utiliza la escala para que la gente sea más consciente de su propia percepción de la escala y la sensación de espacio.
Los materiales que utiliza en sus obras son terracota, plomo, hierro, hormigón e acero y las técnicas pueden variar de hecho a mano o producido en series.


Domain Field, 2013

La obra fue creada en 2003, para BALTIC, centro de arte contemporáneo en Gateshead. 
Domain field es una instalación que consiste de 287 esculturas que ocupan unos 8000 metros cuadrados.  Las esculturas son de barras de acero inoxidable de diferentes longitudes, derivados de los moldes de los habitantes locales de Newcastle y Gateshead.
Los voluntarios de edades entre 2 y 85 años fueron moldeados en yeso por equipos de personal especialmente entrenados.  Estos moldes se utilizaron para construir las esculturas como dominio individual por un proceso de soldadura de los elementos de acero dentro de cada molde.
La obra terminada es una mirada de trayectorias brillantes, dando la impresión de gran campo de energía formada de grupos, cada uno define la presencia concreta de un habitante vivo de Gateshead y Newcastle.
Todo el proceso de la obra fue en el mismo centro, donde el público ha podido ver a los largos procedimientos de un entresuelo de nivel superior con vista al taller/galería.
Con la obra Gormley explora cómo se puede hacer que los espacios que la gente desplazan en un campo de energía colectiva - en otras palabras, tomar la idea de la extensión espacial de la idea de una singularidad, produciendo un campo expandido a un campo de inmersión de paquetes individuales de energía.
No solo trata de la energía, se puede ver las esculturas como la red de las neuronas, las neuronas del cuerpo expuestas. Hay una vulnerabilidad y sensibilidad en todos los elementos tocando e indicando la zona abajo la piel.
La obra debe ser habitada por los cuerpos vivos de los espectadores (que en Gateshead incluye muchos de los amigos y familiares de los participantes). Es su gesto que hace la obra.
En esta obra Gormley es como el manager/conductor de la obra, o el diseñador. Él dice que la escultura siempre es un trabajo compartido.
Tiene mucha importancia el acto que participaron los habitantes del mismo pueblo. Ellos son parte del proceso de la obra y parte de la obra terminada.





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