Eric Fischl es un pintor nacido en 1948 en Nueva York, USA. Su formación académica se desarrolla entre el 1970 y 1972 en el California Institute of Arts, en Valencia, California. Más tarde, entre el 1974 y el 1978 ejercerá de profesor de la Nova Scotia College of Art and Design, en Halifax, Canadá.
Por otro lado, en cuanto a su recorrido artístico, es durante su etapa de profesor en Halifax, en 1975, cuando expone por primera vez en la Dalhousie Art Gallery de la misma ciudad. Hasta este momento sus obras son muy cercanas a la abstracción, y se marca el 1976 como punto de inicio de sus elementos figurativos, derivando al final de ésta década hacia un estilo realista de gran carga expresiva.
Birthday boy
Eric Fischl
Óleo sobre lienzo
2,13 metros x 2,74 metros
1983
La obra se engloba en el Bad painting, una tendencia del Neoexpresionismo, y que la crítica de arte Marcia Tucker despreciaba por la intromisión que supuso la entrada de este tipo de pinturas cuando en el país triunfaba el Arte conceptual y el Minimalismo. Y realmente era algo así, el Neoexpresionismo americano surge como reacción a todo el movimiento de Arte conceptual y del Minimalismo, que tiene una gran acogida en los años 70.
En las obras de Fischl vemos un uso de imágenes del cuerpo humano que tocan tabúes y toda esa falsedad que encubre a la sociedad americana. Birthday boy se halla dentro de este tipo de obras. Una mujer desnuda ante un chico bastante joven, también desnudo. Eric Fischl pretende hacer sentir incomodo al espectador, como si se tratara de un voyeur. El espectador es participe de esa intimidad ajena, y debería sentirme algo intranquilo. En esta obra en concreto el chico mira directamente al espectador, haciendo participe de la escena.
En esta línea de obras encontramos algunas semejantes, cómo Sleepwalker, un chico masturbándose en la piscina, o Bad boy.
És un dels il·lustradors espanyols més internacionals. Ha exposat en diverses galeries de Madrid, Londres, Mont-real, Porto o Milan.
El jove artista es un clar exemple del que anomenem arts aplicades amb treballs tant notoris com diverses campanyes publicitàries, per a marques com Nike, Conversi, Coca Cua o Levi’s; Ha realizat diverses portades de discos. Com a il·lustrador ha publicat diversos llibres i una novel·la gráfica. També ha realizar murals en diversos festivals com a Mural (Canada), Glastonbury Festival (UK), Cut Out Fest (Mexico) o Mulafest (Espanya), així com una col·laboració amb el FC Barcelona i ha creat murals per Urban Outfitters, el Circ del Sol o YUL (Aeroport de Mont-real) però sempre preservant el seu estil tant característic.
Aquest frase va ser objecte d'interes i de debat a clase ja que difineix la importancia del reconeixemen social per tal de poder seguir creant. En el moment que la teva obra interesa i agrada no pots parar de produir.
Quizás las prácticas artísticas nos den consuelo, sean una llamada de alerta al momento que vivimos. Y ayuden, saliendose de los circuitos del arte, a enfrentarnos a nosotros mismos. Agradecer a Marina Abramovic la idea? Mirando a la cara a los sirios...
Toni Molins és un jove artista Santfeliuenc. Descarada i poca vegronya podríem descriure la seva pintura figurativa on, com a temes recurrents, utilitza freqüentment referents de l'antiguitat clàssica, escriptors i filòsofs en una decadent fusió amb icones o referents de la cultura popular i/o temes d'actualitat (entre altres). Característic també per referències ambigües a la sexualitat i qüestions escatològiques.
Mahler Defecant
Més enllà de la pintura també practica la performance, happening, etc., El jove Toni Molins com a personatge recorda vagament a Dalí en una actitud sempre "surrealista".
Toni en l'exposició "Mi Ocaña" a pl. Real de Barcelona
"Joyer" eventual, confecciona també petites peçes per a les inauguracions de les exposicions.
Dins la seva obra pictorica incorpora també la tipografia com veiem a continuació.
El protagonista de ésta entrada es Neil Harbisson, considerado oficial, legal y gubernamentalmente el primer cyborg de la historia. Empezó a escucharse su nombre en los medios a través de un polémico caso, y es que pese a la ilegalidad que suponía, insistía en aparecer en la fotografía de su pasaporte portando la antena que se muestra en la imagen.
Éste personaje nació con una condición visual llamada acromatopsia, la cual le impedía percibir la gama cromática tal y como nosotros lo hacemos. Debido a éste impedimento, y a su interés por la cibernética durante sus años lectivos, en 2004 crea el modelo más primitivo de la antena que hoy porta y lo caracteriza.
El dispositivo consiste en un sensor óptico que capta las frecuencias de luz de los colores y los traduce en sonido, el cual recibe a través del hueso craneal, en el cual está implantada la antena; de éste modo, pese a seguir viendo en blanco y negro, es capaz de interpretar los colores a través de otro sentido como el del oído. Aunque inicialmente no fuera más que una traducción, poco a poco fue asimilando esta asociación de modo que hoy la realiza como una percepción sensorial totalmente automática e instintiva, según cuenta.
No sólo consiste en una asignación de un color a una nota musical, sino que también es capaz de percibir otros aspectos, como la saturación de dicho color según el volumen.
Gracias a éste dispositivo ha recibido numerosos premios en los últimos años; del mismo modo, ha generado el debate en los colectivos de la bioética, quienes encuentran la manipulación del cuerpo de éste modo una conducta peligrosa e irrespetuosa.
Ésta actitud de rechazo frente la tecnología ya se ha repetido al largo de la historia; frente a ésta percepción de peligro al incluir la cibernética de forma tan contundente, Harbisson defiende lo contrario y, de hecho, nos anima a ello: considerar la tecnología como algo ajeno a nosotros es totalmente erróneo. La tecnología forma parte de nosotros, puesto que la ha creado el hombre, y hacer uso de ella para multiplicar y ampliar nuestras capacidades biológicas ya dadas es incluso una forma de reafirmarnos como individuos.
En base a éste razonamiento, y también con un carácter artístico, crea junto a Moon Ribas la Cyborg Foundation en el año 2010. Ésta se sustenta en tres ideas troncales:
Defender los derechos de los cyborgs: hoy en día, quien quiera someterse a algún tipo de intervención como la de Neil Harbisson, debe hacerlo fuera de la legalidad.
Ayudar a la conversión en cyborg a aquellos quienes así lo quieran.
Difusión del Cyborguismo como movimiento artístico.
Debido a nuestro contexto, centraremos nuestro interés en éste último.
El Cyborguismo, por un lado, puede entenderse como una herramienta en pro de la evolución de los humanos: tal y como Harbisson hace simulando una capacidad que la naturaleza no le ha concedido, se pueden suplir estos “errores” biológicos. Del mismo modo, quizá, queramos augmentar nuestras capacidades ya dadas (como podría ser, por ejemplo, ser capaces de ver en condiciones de poca o nula luz); incluso en base a éste planteamiento, sugieren la creación de “nuevos sentidos” gracias a las herramientas que la tecnología nos ofrece: Moon Ribas, co-creadora de la Cyborg Foundation, tiene el “Sentido Sísmico”: la coreógrafa catalana tiene instalado en su cuerpo un dispositivo que, a tiempo real, vibra cada vez que se produce un movimiento en las placas tectónicas del planeta.
Éste nuevo movimiento abre en el campo del arte muchas puertas, o eso pretende difundir la fundación. Debido a los nuevos sentidos y herramientas, surgen nuevas lecturas y por tanto nuevos lenguajes. En el caso de Neil Harbisson, él ha utilizado ésta traducción de los colores en sonido para generar sus obras.
Un ejemplo son los retratos sonoros, los cuales surgen con la lectura de los rostros haciendo uso del sensor óptico.
El artista cuenta que, a medida que fue acostumbrándose a éste dispositivo, también se fue generando una lectura bidireccional: empezó a asociar algunos sonidos cotidianos, como el timbre del teléfono, a colores. Con éste recurso, tradujo al campo pictórico piezas musicales y discursos, las más conocidas de las obras que produce. En realidad, éstas no son más que la traducción de sonidos en imagen, tal y como llevamos haciendo hace siglos con las partituras, por ejemplo. Sin embargo, en este caso resultan imágenes muy coloristas, abstractas y concéntricas.
"I have a dream", de Martin Luther King:
Fragmentos. A la izquierda, "Fur Elisa" de Beethoven. A la derecha, "La Primavera" de Vivaldi:
En este caso, puede entenderse como obra resultante tanto los dos casos mostrados, como el propio acto performativo que sucede con el uso de este dispositivo, tal y como ha hecho en algun “concierto” en los que crea piezas sonoras en directo y a voluntad haciendo lecturas alternantes de distintos colores.
El caso de Neil Harbisson no es más que un ejemplo de la dictadura tecnológica que hoy sufrimos (y disfrutamos), y que personalmente me sugiere el debate de si en estos casos se hace un uso de la tecnología realmente en pro de la evolución.
Pese a todo, no es esa la duda que surge entre la crítica, ya que por lo visto hoy nadie se plantearía poner en duda la tecnología; ésta se dirige principalmente a cómo se presenta Neil Harbisson y el personaje que ha creado de sí mismo por tal de publicitarse, tal y como ya hemos visto en otros personajes a lo largo de la historia del arte.
La escultura Gift Horse de Hans Haacke, inaugurada el 5 de marzo de 2015, ha lucido durante dieciocho meses en el cuarto pilar - situado en el noroeste - de Trafalgar Square. El pedestal que debería haber sido ocupado desde 1840 por una estatua ecuestre de William IV, a causa de la falta de fondos ahora sirve temporalmente como plataforma del arte contemporáneo para artistas ya consolidados. Es un espacio original ya que no es fácil de ver en la intemperie del espacio público, obras de grandes artistas de prestigio. Además Trafalgar Square, en el mismo corazón de Londres, es un lugar que se presta potencialmente a la controversia por ser uno de los centros neurálgicos de la ciudad. Es una plaza de lo más institucional. ¿Acaso cabe recordar que allí mismo se encuentra
la National Gallery?
La estatua consta de un caballo raquítico posando como lo hacen los caballos cuyos dueños murieron debido a las heridas en combate. En la pata delantera elevada tiene adosado una pinza atada como un lazo con una pantalla de luces led que reproducen datos; tan solo informa, en directo, acerca de las cotizaciones de la Bolsa de Londres. La obra se adecua a la ciudad y a su cultura tomando referencias de ella. La primera es el homenaje formal al artista inglés del siglo VIII George Stubbs y a sus estudios anatómicos de caballos recogidos en The Anatomy of the Horse (1766), especialmente al gravado The Skeleton of a Horse. En el ámbito conceptual de la obra, Haacke remite indirectamente a un contemporáneo de Stubbs; el economista y filósofo y también británico -era escocés- Adam Smith y especialmente a The Invisible Hand of the Market un concepto mencionado ligeramente en su obra The Wealth of Nations que posteriormente ha sido reproducido reiteradamente lejos de su contexto y de su significado original con tal de redirigir el capitalismo primerizo presentado por Smith para poder asentar más elegantemente las bases del liberalismo económico.
La estatua de temática equina en bronce consolida el peso de lo clásico a su vez que se funde con un lenguaje opuesto, el elemento digital remite a pura contemporaneidad. La confrontación va más allá, los simbolismos también se debaten entre ellos en una misma figura suscitando con aires críticos las relaciones e intereses entre el poder, el dinero, el arte, el privilegio y la historia. Pocos más datos hay acerca del significado de la obra. La voluntad de Haacke es dejar las interpretaciones en manos del visitante, o en este caso, del transeúnte. “Es una invitación a hacer conexiones” dijo a la BBC “pero no daré direcciones. Estoy seguro que habrá diversidad de respuestas”. Haacke estaba en lo cierto. Aunque es notable que la obra sigue en la misma línea, conceptual y crítica contra el sistema, característica de la obra Haacke, Boris Johnson, el mismísimo alcalde de Londres que presidía la inauguración mencionó que era “ una observación asombrosamente original sobre las relaciones entre el arte y el comercio”.
Claro está que una vez más en Londres -en pleno centro neurálgico- se une la tradición con la contracultura. “Entrelazar nuestra historia con lo contemporáneo, estimulando además el debate, es lo que hace de Londres una capital cultural tan dinámica” mencionó Boris Johnson. Un pensamiento clásicamente británico: ladino, diplomático y pragmático. ¿Por qué no dejar las consignar partidistas a un lado y promocionar la ciudad como urbe puntera?
En este juego de estira y afloja, esperemos que el Caballo de Troya, perdón, quería decir Gift Horse haya obrado al menos tal y como Haacke esperaba.
Ens trobem davant d'una artista jove, d'origen suec la qual destaca pel seu treball amb acrílic i tècnica mixta que fan possible crear formes aleatòries amb una gran explosió de colors. L'artista ens deixa llibertat a l'hora d'observar diferents vistes sobre la seva obra. Des de vistes espacials fins a l'univers molecular, encara que cada observador serà convidat a enfonsar-se en la seva obra i percebre d'altres formes. La seva manera de treballar en quant deixar fluir la pintura crearà en l'observador una necessitat de veure reflectides emocions i energies.
En el contexto del aula, se nos
pide escoger una obra de cualquier ámbito artístico que su realización se sitúe
dentro del periodo, actualmente vigente, de la posmodernidad. En mi caso
escojo una obra cinematográfica, de las más representativas del estudio de cine
de animación japonés: “Studio Ghibli” y me atrevería a decir de las más
representativas de todo el cine de animación japonés y mundial. Este filme se
titula originalmente como: “Sen to Chihiro no kamikakushi”; y en español: “El Viaje de Chihiro”. Fue estrenada
en Japón el 20 de julio de 2001 y a nuestro país llegó el 25 de octubre de 2002;
dirigida y con guion del fundador del estudio: Hayao Miyazaki, y con música de Joe
Hisaishi. Pero lo más destacable de su ficha técnica es el Oso de Oro de Berlín
a Mejor Película, dónde luchó en por puesto frente a otras películas que
–atención- no eran de animación. Si nos sorprende este hecho es porque
normalmente, o al menos esta es mi sensación y compartida por muchos, no se
valoran por igual una película con sus actores de carne y hueso y una película
de animación. ¿Por qué un “medio técnico” distinto hace variar la actitud
crítica respecto al producto final? Es una pregunta que no consigo resolver
aunque también me asaltan otras sensaciones: ¿Se asimila de manera generalizada
una película de animación –de las primeras que suele ver una persona en su
vida- con algo inmaduro o no lo suficientemente serio por ese hecho, a pesar de
saber de la existencia de distintos géneros dentro de la propia animación? En
segundo lugar también quiero destacar el premio Oscar de la Academia de
Hollywood a la Mejor Película de animación. Lo cual sorprende un poco dentro de
la animación japonesa ya que normalmente se suele premiar más a la conocida
Disney, lo que indica cierta predilección por lo de casa respecto a Estados
Unidos. Debate muy presente también entre gente amante de la animación japonesa
en general y en foros relacionados. Con lo cual no sé si podría afirmarme totalmente
de acuerdo pero algo que es evidente es la facilidad que existe para llegar a
contenidos de origen Estadounidense y la lentitud y/o dificultad que existe
para obtener contenidos de origen por ejemplo japonés. Quiero decir, es
evidente la diferente difusión y sólo llegarán a profundizar en la animación
japonesa quienes no sólo se quedan con “lo más fácil que ponerle al crío
durante la merienda”.
Ya entrando en el propio
argumento de la película y los temas que trata, de manera sutil para los niños
y de forma evidente para los adultos, sobre la sociedad coetánea del momento de
la creación de la película, decir que estos siguen latentes en la actualidad en
mi opinión. Primero resumiré el argumento para luego poder ir situando
diferentes escenas o partes de la película donde trata temas como: la
responsabilidad educativa de los padres para un niño y la influencia de esta en
su proceso de crecimiento hacia una madurez, el concepto de dinero igual a
permisión, posesión, la esclavitud, la sobreprotección paterna por parte de
algunos frente a la total despreocupación por parte de otros…etc.
Imagen con la que se da inicio a la trama
La historia trata de una
familia con una hija única, un poco consentida por este hecho y como veremos
más durante la película también quizás por evitar una implicación directa en su
educación, se mudan y eso implica cambiar de colegio, de amigos etc. Durante
este viaje, que ocupará un corto fragmento al inicio y al final de la película
podremos establecer una relación directa y observar así más exageradamente la
evolución de la protagonista. La familia se desvía por un camino y acaba
entrando por un túnel misterioso que les lleva a un mundo distinto, que se
puede entender como más “espiritual”. Allí sus padres querrán entrar a toda
costa “como Pedro por su casa” y incluso harán comentarios cómo “qué lástima
que no hemos traído comida” o afirmando que aquello era un viejo parque de
atracciones haciendo ver que lo saben todo y en realidad no; o también con
frases como: “no te preocupes, vas con tu padre que lleva efectivo y tarjetas”.
De aquí se destilan dos críticas: la primera a la inmediata posesión de lo que
no es nuestro por puro “morro”, ocasionada quizás por la idea de tengo dinero
pues lo compro y entonces es MÍO. La segunda crítica sería a el torrente de
información que nos llega hoy en día y cómo sin ni siquiera analizarla la damos
por cierta y además con eso nos creemos que ya lo conocemos todo. De ahí una
crítica al capitalismo y la manera de vivir aprehendida de este.
Escena en la cual los padres de Chihiro toman por suyos los alimentos y se convierten en cerdos como castigo.
A partir de aquí, la niña
tendrá que afrontarse a una realidad de esclavismo dentro de la casa de baños
de la bruja Yubaba, para salvar a sus padres, en lugar de estos a ella, y en
ese proceso tendrá que madurar a la fuerza mientras que al final de la película
los padres parecen no haberse percatado de nada y el cambio de Chihiro es aún
más evidente. Hay quien señala la escena del tren sobre las vías sumergidas
como símbolo de este paso a la madurez, y la imagen que confiere esta escena
-que dura un minuto aproximadamente acompañada de música y sin dialogo ninguno-
una visión de un mundo dominado por el agua. Lo que nos podría hacer
reflexionar sobre el cambio climático y el derretimiento de los polos. A su vez
también la historia en general podría hacernos reflexionar sobre la
emancipación y el afrontamiento real de los jóvenes con la vida que cada vez se
ve más menguado a causa de la situación económica actual. ¿Cuándo vamos a ser
capaces de cuidar de nosotros mismos y además de nuestros padres? ¿Podremos acaso
alguna vez tener la posibilidad? Parece algo casi imposible para muchos.
Escena de las vías sumergidas
Con todo esto, mi
intención principal era destacar el potencial comunicativo y crítico de
cualquier elemento de la cultura popular que normalmente pasa desapercibido o
no se le da la suficiente atención o tiempo de reflexión. Además de poner en
valor la animación, sobretodo la japonesa, dentro de un contexto de cultura.
Imagen con la que se cierra la película, haciendo evidente el paso del tiempo desde el punto de partida.
